Breves del fin de semana

1- Este fin de semana vi El viaje de Chihiro (Oscar y Oso de Oro en 2002) y En el valle de Elah, y ambas, aunque completamente disímiles, me gustaron mucho. La primera es de animación, puede ser vista tanto por adultos como por niños y responde a su esencia al contar una imaginativa historia de fantasía, amistad e ideales. En el valle de Elah es, en cambio, durísima, como lo son todas las películas que hablan de guerras y, también como todas ellas, redunda en el saldo negativo para todos los bandos que tienen los conflictos armados. En este caso se refiere a la guerra de Irak y por sobre todo reluce Tommy Lee Jones como un padre que intenta descubrir la verdad tras la muerte de su hijo recién regresado del campo de batalla. Charlize Theron (cómo se resiste esta chica a hacer de guapa, ya por eso me cae bien) le da la réplica.

2- Ayer se celebró el Día del Amigo en Argentina. La fecha la inventó un compatriota, Enrique Febbraro, quien eligió el 20 de julio en homenaje a la fecha en que el hombre pisó la luna. Yo, ya lo dije alguna vez, tengo el calendario dado vuelta desde que vine a España. El salto al océano, con su inversión de estaciones y su molesta diferencia horaria, me provocó un jet lag mental que aún da sus coletazos en forma de olvido pertinaz de cumpleaños, aniversarios y ”días de”. Así que, amigos del otro lado, dénse por saludados, recordados y queridos todos los días, y también ayer.

3- Delicatessen hoy en día es todo lo que un buen experto en márketing sabe presentar como tal. Fundamentalmente es una cuestión de marca, envase y precio (cuánto más caro, incluso irrisoriamente caro, más delicatessen será). También importa que haya poco: ediciones limitadas, recursos en extinción y producciones mínimas o muy lentas se colocan en el pódium. El contenido en sí importa menos. Hasta se puede vender agua de un arroyo como producto de lujo. Ayer leí que Evian sacó 99 botellas diseñadas por el modisto Christian Lacroix que se subastan en eBay con fines benéficos. Entonces recordé que en la misma tienda donde vi las crestas de gallo había estas “selectas” botellitas:

Funny Games

Ayer asistí a un pase especial para bloggers* de la nueva película del austríaco Michael Haneke, Funny Games. Decir “nueva” realmente no es lo más acertado: se trata de la remake de la película homónima que dirigió el mismo Haneke (Caché) en 1997. Lo único que ha cambiado entre aquel filme protagonizado por el estupendo Ulrich Mühe y el que se estrenará en España el 4 de julio próximo es el idioma (la original fue rodada en alemán y esta es en inglés) y el elenco, que ahora encabezan Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt.
El propio Haneke ha reconocido que la única motivación que ha tenido a la hora de volver a rodar lo que ya estaba (bien) hecho -sin cambiarle nada al guión ni añadir la más mínima variación en el enfoque visual, según me aseguraron ayer otros bloggers que sí habían visto la primera- es llegar al público de Estados Unidos, poco dado a ver cine europeo. Haneke quiere que también los estadounidenses reflexionen, especialmente los más jóvenes, sobre  uno de los temas que más le interesan y le preocupan: la violencia.
De eso, justamente, va la película: de la violencia más dura, pura y cruel, la que se da sin motivos y no reconoce límites ni códigos. En este thriller de ritmo trepidante (siempre quise utilizar este término adorado por los críticos), un matrimonio y su hijo pequeño se dirigen a pasar unos días a su casa de verano junto a un lago sin saber que allí se enfrentarán a una pesadilla de sadismo y terror encarnada en la figura de dos jóvenes perturbados que irrumpen en sus vidas y las cambian para siempre.
Funny Games golpea al espectador con su brutalidad y le entrega grandes momentos de suspenso y horror. También a nivel visual y actoral es muy acertada. Creo que quienes no vimos la versión original (yo pienso reparar esto inmediatamente) nos encontramos con una película tremendamente actual e impactante. Sería, además, impecable si Haneke se aguantara las ganas de jugar también él. Lo hace hacia el final, introduciendo determinados recursos cinematográficos que pretenden involucrar aún más al espectador -hacerlo sentir protagonista y no sólo testigo de esa violencia irracional que subyace en nuestra sociedad y en nuestras propias almas- pero que terminan produciendo todo lo contrario, pues quiebran abruptamente la tensión y esa ruptura hace que recordemos inmediatamente la separación entre la ficción que estamos viendo y la realidad que vivimos. Una división que hasta ese momento Funny Games nos había hecho olvidar por completo y en eso, como ocurre siempre en el buen cine, está la magia y de allí sale la lección.

 

* La gente de Warner, que organizó este pase especial para bloggers, nos pidió amablemente que diéramos nuestra opinión sobre este tipo de convocatorias. Era evidente que quienes se dedican a la promoción cultural iban a empezar muy pronto a dirigirse también a los autores de bitácoras y medios digitales. No hacerlo significaría cerrarse a un canal directo con una importante audiencia que suele utilizar internet para guiar su consumo y su gusto en este ámbito. Las empresas fueron las primeras en contemplar a la blogosfera en sus estrategias de comunicación, pero poco a poco también los promotores culturales, editoriales, productoras de cine y teatros la están teniendo en cuenta, ya que la difusión que se logra aquí es inmediata, exponencial y tiene una frescura y una cercanía interesantes, que se ve acrecentada por la participación de los visitantes a través de los comentarios. Sólo quisiera recordar que, como sucede con cualquier otra herramienta comunicativa, para utilizarla hay que conocerla, seguir ciertas pautas en las formas y los modos (siempre es mejor personalizar que soltar invitaciones colectivas) y tener muy claro cuál es el público objetivo. Si no, se corre el riesgo de ”gastar pólvora en chimangos” o de obtener resultados no buscados e incluso perjudiciales.

Rebobine, por favor: la magia del cine

La magia del cine. De eso trata la última película de Michael Gondry, Rebobine, por favor (Be kind, rewind), en la que dos amigos deciden volver a rodar las películas de un videoclub que accidentalmente borraron. Con sus remakes caseras de Cazafantasmas o Conduciendo a Miss Daisy, entre otros clásicos del cine moderno, los jóvenes, interpretados por un super histriónico Jack Black y el rapero Mos Def, obtienen un éxito apabullante e inesperado que devuelve la esperanza no solo al idealista dueño de la tienda de alquiler de VHS (Danny Glover) sino también a todo un barrio carente de sueños y cohesión.
No soy muy dada a comedias porque suelen decepcionarme o provocarme apenas una media sonrisa que al salir del cine se esfuma rápidamente junto con el recuerdo de los chistes fáciles y los gags remanidos. Rebobina por favor es una de las contadas excepciones que engrandecen a este difícil género. No sólo me hizo reir, y mucho, sino que además disfruté de la banda sonora (Gondry vuelve a colaborar con Jean-Michel Bernard), de las actuaciones (el acertadísimo reparto se completa con Mia Farrow y Melonie Díaz) y de las muchas lecturas que tiene la historia. Sobresale, a mi juicio, el homenaje y la reflexión sobre el increíble poder de fascinación, movilización y emoción que tiene el cine sobre los seres humanos. Tanto que se convierte en parte de nuestra propia biografía e incluso altera nuestra memoria y tornea nuestros anhelos. Tanto que nos apropiamos de las películas y algunos son capaces incluso de ‘asuecarlas’ y de disfrutar igual o más con esa versión libre que con la original. ¿Qué es ‘asuecar’ una película? Vean la de Gondry y hablaremos el mismo idioma.

Links:

Trailer de Rebobine, por favor (y algunas ’suecadas’)
Ficha técnica de la película
A Sesión Discontinua también le pareció buena

 

Edward James Olmos

Hace unas semanas entrevisté para la revista Alma al actor, director, productor y guionista estadounidense Edward James Olmos. Vino a Madrid a presentar un ciclo especial sobre su labor cinematográfica y la de su amigo y colega Robert M. Young en Casa América. Olmos se hizo famoso internacionalmente gracias al papel del teniente Castillo en la serie de televisión Miami Vice, pero lleva décadas de trabajo ininterrumpido al frente y detrás de las cámaras (con un saldo de películas valientes y de impecable factura como American Me, entre otras) y desarrolla una incansable labor como activista por los derechos de la comunidad latina en Estados Unidos. Por todo esto Olmos se ha convertido en un importante referente para sus compatriotas de origen hispano. Asume esta causa con convicción, pasión y bravura. Es un hombre cercano, sin pelos en la lengua, muy amable, divertido y serio a la vez, enérgico y tremendamente ocupado. Esto es lo que hablamos.

25 años de cárcel para el asesino de Adrienne Shelly

Veinticinco años de cárcel y cinco más bajo libertad vigilada es lo que tendrá que pasar el inmigrante ecuatoriano de 20 años que en noviembre de 2006 asesinó a la actriz, guionista y directora estadounidense Adrienne Shelly en su estudio de Greenwich Village. La condena, dictada ayer, se emitió luego de que el propio Diego Pillco se confesara culpable y revelara detalles desconocidos de un crimen que en un principio estuvo lleno de misterio y de variadas hipótesis, incluida la del suicidio.
Aunque se creía que el asesinato se había producido en medio de una discusión, Pillco reveló en el juicio que mató a Shelly, de 40 años, cuando ésta lo encontró hurgando en su bolso. Él había llegado en forma ilegal a Estados Unidos y se desempeñaba como albañil para sobrevivir e intentar saldar su deuda de 15.000 dólares con quien le había facilitado el ingreso a ese país. Ese día, 1 de noviembre de 2006, trabajaba en una obra en el mismo edificio donde la actriz y flamante directora de Waitress (estrenada en forma póstuma en 2007, en España con el título La camarera) tenía su estudio. El joven se coló allí e intentó robarle la cartera del bolso, pero fue sorpendido por Shelly y reaccionó golpeándola y estrangulándola, tras lo cual la colgó con una sábana en el baño para simular un suicidio.
Ayer, en el juicio, los familiares de Shelly increparon a Pillco mostrándoles su inmenso dolor por la pérdida de un hija, madre, esposa y artista que todos apreciaban y consideraban “increíblemente inteligente, generosa, bella y divertida”. El joven, que será deportado una vez que cumpla la condena, también habló. Lo hizo mediante un traductor para decir que “ese día no tenía el propósito de hacerle mal a nadie” y afirmar que “si existiera la pena de muerte, la pediría para acabar con este sufrimiento”.
Una historia triste por donde se la mire y sin buen final para nadie. 

Fuentes: Daily News/El Universo.

Foto: Adrienne Shelly (en el centro) en un momento del rodaje de ‘Waitress’ junto a las actrices Keri Russell y Cheryl Hines.

Post relacionado:
Misterioso asesinato en Greenwich Village

El musical de Tim Burton

Si eres fan de Tim Burton (El joven manos de tijera, La novia cadáver, Charlie y la fábrica de chocolate) y te atrae el musical, no puedes dejar de ver Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet. En su nueva película, Burton sale más que airoso del reto que supone estrenarse en un género totalmente apartado de su trayectoria manteniéndose a la vez fiel a su propio y peculiar estilo de hacer cine.
Lo hace de la mano de su actor fetiche, Johnny Depp, quien debuta como cantante, y de la actriz inglesa Helena Bonham Carter, a quien ser la esposa del director no eximió del cásting para ganarse el papel de la pastelera que acompaña al barbero Todd en su cruenta venganza contra un malvado juez que destruyó su vida y la de su familia.
La historia que cuenta la película está basada en un personaje clásico y en un musical que lleva años encima de los escenarios de Broadway a cargo de Stephen Sondheim, autor de la banda sonora, que está considerada como una de las más difíciles de interpretar por sus exigencias técnicas.
La película está ambientada en un Londres dickensiano, entorno en el que tanto Depp como Bonham Carter se lucen con sus rostros ya de por sí góticos y algo sombríos, apoyados en un reparto de lujo. Y es sangrienta, un exceso que compensa la preciosa estética que tan bien sabe crear el director (esta película recuerda visualmente a Sleepy Hollow) y que mantiene al público en tenso equilibrio entre el espanto y la fascinación por la belleza del horror. El propio cineasta ha dicho que se trata de un filme “impresionista y no realista”, que decidió hacer atraído por la combinación de “emotividad de la música, junto al horror y el humor” que encierra el texto.
El de anoche fue el preestreno de la cinta en Madrid, pues Sweeney Todd recién llegará a las salas el próximo 15 de febrero. Al evento acudió el mismísimo Burton, quien subió unos minutos al escenario para agradecer el apoyo a su nueva obra. Aunque afable, se lo notaba cansado y algo desorientado, lo cual es entendible pues su parada de ayer en la capital española forma parte de una extensa y ajetreada gira mundial de promoción. Durante el día, además de conceder múltiples entrevistas, mantuvo un encuentro digital con los lectores de un periódico y cerró la jornada con su participación a medianoche en el programa televisivo Miradas 2.

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Tim Burton anoche, en el escenario de los cines del Palacio de la Música, en Madrid. Bromeó con el público (no sabía bien si decir buenos días, tardes o noches, desorientado después de tanto viaje) y agradeció la presencia de la prensa e invitados, entre los que hubo algunos actores y directores conocidos. Recibió un aluvión de aplausos.

Links:
Web de Sweeney Todd
Trailer de la película

Actualización
Poco después de publicar esta entrada se anunciaron las nominaciones a los premios Oscar de este año. Entre los candidatos a llevarse la estatuilla como mejor actor figura, justamente, Johnny Depp por su papel protagónico en Sweeney Todd. Para ver la lista completa de nominados pinchar AQUÍ.

¿Cuestión de edad?

El jueves pasado me sorprendió encontrar a Cayetana Guillén Cuervo al frente del programa Días de Cine (TVE 2) en lugar del inigualable Antonio Gasset. Fue como ver un capítulo de los Simpsons con una de las chicas superpoderosas (o supernenas) ocupando el lugar de Bart.
Al otro día comencé a indagar en los motivos del cambio y lo que en principio fue sorpresa y decepción se transformó en enfado. Resulta que el alejamiento del ácido Gasset -con quien se puede estar más o menos de acuerdo pero nunca negar originalidad, cinefilia y un fino sentido de la ironía- responde al expediente de regulación de empleo abierto por Televisión Española.
En principio un proceso de estas características puede estar justificado por cuestiones de política editorial o sobredimensión de la plantilla, pero cuando toca a profesionales de larga y reconocida experiencia, que además cumplen su trabajo con eficacia, los motivos comienzan a mancharse de sospechas. El dato para mí revelador de las verdaderas razones que hay detrás de estos despidos es que varios de los afectados rondan los sesenta años, edad exacta de Gasset.
Investigando lo sucedido con el presentador me enteré de que otra de las prejubiladas es la periodista Rosa María Calaf, flamante premio de la Academia de Televisión y uno de mis referentes en la profesión gracias a sus ya antológicas crónicas, siempre precisas y clarificadoras, desde los lugares más conflictivos y lejanos del mundo como corresponsal de la cadena pública, cargo en el que llevaba más de treinta años.
Que la edad (o la presencia física) sea tomada como una variable válida tanto para contratar como para despedir es un desatino y una injusticia, además de un error. Los periodistas queremos, y debemos, ser valorados únicamente por nuestra profesionalidad y conocimientos, porque eso es lo único que se necesita para informar y opinar con acierto y responsabilidad sobre actualidad. Aún más grave, y motivo de otro debate, es que sean éstos los valores que se respaldan desde una cadena pública.

Links:
Las jugosas frases de Gasset
Entrevista a Rosa María Calaf acerca del tema
Rosa María Calaf recibe el premio a “Toda una vida”

Fados en el cine

Llegó el momento: el viernes se estrena en España la última y (esperadísima por mí) película de Carlos Saura, Fados. En la presentación de la cinta, que se realizó hoy en Madrid, el realizador adelantó que su nuevo musical llega a las pantallas tras una minuciosa investigación de dos años, que ha dado como resultado una obra que busca ”ampliar el universo del fado” mostrando la esencia “tanto de su interpretación más ortodoxa como de sus raíces, que vienen de África y de Brasil”.
Fados recala en España tras su exitoso estreno en Portugal y un paseo también victorioso por los festivales de Nueva York, Huelva, San Sebastián, Sevilla y Toronto.
La película recrea una típica Casa de fados, local adonde suelen acudir los intérpretes de este sentido canto nacido del mar para mostrar su arte. Saura -quien ya rodó dentro del mismo esquema Sevillanas (1992); Flamenco (1995); Tango, no me dejes nunca (1998); Salomé (2002) e Iberia (2004)- deja notar su mano en la historia añadiéndole danza y atreviéndose a mezclar la música portuguesa con el flamenco, en una clara reivindicación de la unión de ambos pueblos.

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Más sobre Fados:
Saura y el fado
Fados

Documentales for free

¿Te gustan los documentales? El género lleva unos años en alza y eso ha hecho que su oferta se diversifique ampliamente en cuanto a temática, procedencia y estilos. Si eres un aficionado reconocido, o si por el contrario aún crees que sólo existen documentales sobre el apareamiento del escorpión blanco y las tumbas faraónicas, tienes que darte una vuelta por freedocumentaries.org, una web donde se pueden ver en forma gratuita alrededor de un centenar de películas de no-ficción. Están organizadas por zonas geográficas y asunto, y aunque la gran mayoría son en inglés hay una incipiente sección de documentales en español.

Yo voy a empezar por Shut up & sing, sobre el boicot que se hizo en 2003 a la música del trío de country Dixie Chicks a raíz de su sonado enfrentamiento mediático con el presidente de Estados Unidos, George W. Bush. Las chicas tuvieron su revancha este año, al conquistar varios premios Grammy.

La comunidad Coelho filma una película

Paulo Coelho quiere llevar al cine su último libro, La bruja de Portobello, mediante un proyecto participativo y colectivo que ha lanzado desde su propio blog (escrito en inglés) y al que ha bautizado “La bruja experimental”.
La idea consiste básicamente en que cada lector interesado en participar de la adaptación cinematográfica escoja un personaje del libro y filme las escenas en las que éste interviene. Luego, debe subir el video a YouTube y esperar al veredicto del jurado. La película final se formará juntando las piezas seleccionadas hasta completar toda la historia, que en este último libro del autor y gurú brasileño gira en torno al poder de lo femenino.
También es posible componer alguno de los temas que integrarán la banda sonora del filme, en este caso participando a través de la plataforma de MySpace.
El plazo para registrarse vence el 19 de marzo del año próximo; los ganadores serán anunciados cuatro meses después. Cada uno de ellos recibirá tres mil euros, pero a cambio deberá ceder todos los derechos de su obra a Coelho. Él se encargará de presentar la película, de llevarla a festivales y de distribuirla en todo el mundo.
El escritor dice en su blog que tuvo esta idea de asociarse a sus lectores después de visitar sus páginas web y comprobar el gran talento artístico que muchos de ellos poseen. Coelho afirma que, durante su carrera, hubo personas que creyeron en él y lo ayudaron a conseguir sus sueños, por lo que él quiere ahora hacer lo mismo por sus fieles seguidores. Les ofrece la posibilidad de hacer un trozo de su película a cambio de obtener “mayor visibilidad” para sus carreras y de la satisfacción de saber que están “haciendo historia cinematográfica juntos”.